Dipinti di Caravaggio: "Kiss of Judah", "Sick Bacchus", "Judith and Holofernes". Michelangelo Merisi da Caravaggio

Caravaggio Michelangelo Merisi ha compreso nella sua arte che cos'è la morte e come il cristiano è portato davanti al suo viso, dov'è l'indizio che lo condurrà alla salvezza.

Arte barocca

Caravaggio è un rappresentante dell'arte barocca, che ha reso la morte un fatto di vita. Non può essere separato dalla violenza e dalla sofferenza. La morte e la sua immagine catturarono i sentimenti del pittore e li soggiogarono a se stessi. I dipinti di Caravaggio sono spesso l'estasi dei santi, la loro unità di preghiera con Dio nell'amore e nella morte, il loro più alto pellegrinaggio davanti al suo viso. Questo non è più un evento silenzioso e pacifico, come nel periodo rinascimentale. In Barocco, non diventa un fatto personale, ma un fatto pubblico, una parte della vita, ispira paura e orrore. Un uomo non muore silenziosamente, ma viene strappato a lei dalla violenza o dal destino malvagio. Esempi di questo sono i dipinti di Caravaggio: "David con la testa di Golia", "Il sacrificio di Isacco", "La decapitazione di Giovanni il Battista".

La vita di Caravaggio

Caravaggio è nato da un architetto. Ben presto acquisì padronanza delle basi dell'abilità e studiò a Milano con l'artista Petersano. La scuola lombarda ha dato all'artista un senso della vita e il desiderio di trasmetterlo. Il destino dell'artista è stato così difficile che la sua stessa personalità ha spinto la riflessione. Alla ricerca della sua strada nella vita e nella pittura, Caravaggio lascia la Lombardia e, visitando tutte le città del nord Italia, arriva a Roma, dove non ha mecenati. Con un notevole lavoro, ha conquistato l'attenzione di autorevoli personalità della Chiesa. È difficile giudicare Caravaggio come un uomo di fede. Non ci sono prove documentali. Come uomo, era preoccupato di venire prima dell'eternità.

Tali dipinti di Caravaggio, come "Il martirio di San Matteo "," La posizione nella tomba "," Salome con la testa di Giovanni il Battista ", questo è confermato. Il tema dell'impermanenza (vanitas) attraversa tutto il lavoro del pittore fin dalla giovane età fino alla sua morte.

Boundary work della collezione Borghese, 1591

"Sick Bacchus" è un pezzo che non appare per caso. L'artista era gravemente malato, era stato ricoverato in un ospedale e poi trasferito nel seminterrato, dove non era più curato, ed era davvero sull'orlo della morte. Fu accidentalmente notato lì da un prete che conosceva Caravaggio. L'artista è stato allevato in reparto, fornito assistenza, ed è sopravvissuto. Dopo essersi ristabilito in uno stato semi-malato, dipinge un quadro di "Sick Bacchus", nel quale, come si suol dire, si ritrova ancora in uno stato di malattia. Ciò è evidenziato dalla colorazione fredda dell'immagine, e il tema della morte è interpretato da foglie che si sbiadiscono in primo piano, il che ricorda allo spettatore che tutta la vita è solo temporanea. Dopo di che, include sempre più le sue nature morte, che portano un sapore di fragilità, un richiamo non solo alla vita, ma al contrario.

La preghiera come estasi del pellegrino

Una persona è portata alla fede, anche attraverso la preghiera. Un esempio di tale impresa spirituale per i credenti del XVI secolo fu St. Francesco d'Assisi. "Estasi di sv. Francesco "(1598) per la gente comune era un esempio di comprensione della fede. Dipinge un estasi di preghiera uguale alla morte. Questa non è una morte fisica, ma una rinascita spirituale, la nascita di un uomo di fede e amore. L'angelo che sostiene la sua testa sta tenendo, a portata di mano, le stigmate di S. Francesco. Ma più tardi (1600) vediamo un'altra St. Francesco, come un povero viandante, come pellegrino. Ha una veste ruvida, un buco nella spalla. Si preoccupa di ciò che apparirà davanti a Dio, quindi tiene il teschio nelle sue mani. L'immagine di "St. Girolamo "(1606) - un esempio di ascetismo, che è instillato nelle altezze dello spirito attraverso l'allontanamento dalle tentazioni mondane verso la vita delle caverne. La sua ricompensa è la rivelazione divina. L'artista cerca di ricordare al pubblico. La natura morta - un libro, una penna - mostra che il santo è diventato un conduttore della parola divina.

Volto della morte

Nei primi anni della creatività ha scritto l'opera tradizionale di Caravaggio - "Medusa" (1593-1594) nella forma di uno scudo rotondo. Lei è stata spesso ritratta su scudi di legno coperto di pelle e ha dato agli uomini gli eventi significativi della loro vita. Senza allontanarsi dalla tradizione, raffigura un mostro nell'agonia di Caravaggio. La medusa dell'artista non è ancora morta, sono arrivati ​​i suoi ultimi secondi. Uno stato transitorio è scritto, quando la vita è ancora presente, ma gocciola via, e Medusa lo sente. Il volto è ancora vivo e urlante, ma il pallore lo copre già, e la vita sta per sparire per sempre. L'immagine di Medusa è molto naturalistica, perché dovrebbe essere spaventata dall'incubo dell'estinzione. Nel frattempo, serpenti vivi ondeggiano intorno alla sua testa. Questa e altre scene piuttosto crudeli si allineano attraverso l'arte di Caravaggio.

Talenti di fede

Giuditta e Oloferne (1595-1596). La storia è. Oloferne con l'esercito assediava la natia Vettulia, dove viveva Judith. La ragazza si intrufolò nella tenda del comandante. Festa di bellezza Giuditta e Oloferne. La ragazza senza paura è bruciata dal suo vino e si taglia la testa. Prendendola da sola, ritorna alle mura della città, e la testa di Oloferne viene messa su una lancia per la visione pubblica. L'esercito si ritira e il popolo viene salvato. A Caravaggio è raffigurata la violenza totale. Sulla tela, Judith si spegne la testa disgustato e disgustato, mantenendo le distanze da lui. Caravaggio è uno dei primi a ritrarre il momento stesso di questo taglio, che è abbastanza fisiologicamente abbastanza spiacevole: i suoi occhi sono usciti dalle orbite, la bocca di Oloferne è aperta, urla. Si presume che la testa di Oloferne sia un autoritratto.

Molto simile a lei "David and Goliath" (1596). In primo piano di nuovo testa brutalmente recisa. Ciò è ancora più evidente nell'ultima opera con lo stesso nome, quando l'artista mostrò la sua testa, tagliata fuori da Goliath (1605). Con un gesto teatrale, David spinge una testa terribile in prima linea, come il volto della morte. La stessa cosa è stata raffigurata in un'opera della Galleria Borghese, dove l'artista ha sicuramente scritto se stesso (1606). Qui c'è l'intonazione più sottile e più complessa della tragica accettazione della morte. Tali sono i dipinti di Caravaggio che raffigurano i terribili momenti della morte.

Gli ultimi anni, peregrinazioni

Motivi di morte si ripetono nelle sue opere successive, dopo essere stato costretto a fuggire da Roma, come ha accidentalmente ucciso il suo avversario durante una partita e in una disputa. Il decreto papale dell'artista è stato condannato. Vaga per Malta dal 1606 al 1610 e poi muore in Toscana. Fu durante questi anni che creò le sue opere più tragiche e profonde. Scrive diverse versioni di "Salome con la testa di Giovanni Battista", "La decapitazione della testa di Giovanni il Battista" (1608, Cattedrale di San Giovanni, Valletta). Sono indiscussi capolavori del Caravaggio, che nessuno potrebbe adeguatamente imitare. "Decollare" è un'opera enorme, che rappresenta una trama regolare. La sua particolarità è che ci troviamo davvero in un enorme cortile nel deserto con il suo arco colossale di pietra. La franchezza dell'immagine è sottolineata dal fatto che il boia è stato tagliato, ma non ha ancora alzato la testa. Cioè, il momento di transizione dal vivente all'animato si ripete di nuovo, quando i fili della vita legano ancora il corpo e la testa. Ma soprattutto, è sconvolgente e tragico per l'immagine che Caravaggio segni il suo nome nel sangue che si diffonde dal corpo. Con questo sangue si unisce alla morte sacrificale di Giovanni il Battista.

Illuminazione nelle foto di Caravaggio

Per Caravaggio la luce non è solo uno strumento con cui modella la forma, dà volume e plastica. Luce dell'artista - questo è il dramma. Identifica i componenti principali del contenuto e lo crea. L'artista individua alcuni punti importanti con la luce, mettendo l'accento su di essi. Secondo fonti documentarie di vecchi autori, sembra che abbia scritto in un'officina all'ombra e abbia apprezzato l'illuminazione artificiale.

Scoperta inaspettata

Era considerato da tempo Caravaggio l'immagine perduta "Bacio di Giuda". A Dublino, nel 1990, il monastero di S. Ignazio fece appello alla National Gallery of Ireland. I monaci avevano bisogno di restaurare il dipinto, che avevano frequentato fin dagli anni '30 del XX secolo. Il restauratore ha immediatamente capito chi è l'autore di questo capolavoro, che era noto solo per copia. L'artista l'ha creato per ordine del suo cliente abituale Mattei. Poi i suoi discendenti trovarono una copia del dipinto e lo vendettero in Scozia nel 1802, dove rimase fino al 1921 e fu rivenduto in Irlanda a un pediatra. Poi è stata donata in dono al monastero, dove è appesa nel refettorio. Dopo il restauro, il dipinto è rimasto a tempo indeterminato alla National Gallery. La trama è basata sul testo del Vangelo. Giuda bacia il Salvatore quando esce Giardino del Getsemani, per dire alle guardie che dovrebbero essere arrestate.