Elenco di dipinti di Gustav Klimt e le loro descrizioni con titoli

Gustav Klimt (1862 - 1918) era considerato uno dei più controversi, ma anche i più famosi e dotati artisti del volgere del XIX - XX secolo. Nel suo lavoro, il tema principale erano quasi sempre figure femminili, che spesso simboleggiavano sentimenti e stati umani, come speranza, amore, morte e altri. I dipinti di Gustav Klimt continuano ad affascinare i nostri contemporanei con il contenuto ambiguo e il carisma erotico delle immagini femminili che ha creato. Oggi i lavori di questo fondatore del modernismo austriaco sono tra i dipinti più costosi del mondo. Riflettendo le fasi principali della vita dell'artista, l'articolo introdurrà le caratteristiche e la storia dei dipinti di Gustav Klimt e mostrerà come la sua maniera classica si sia gradualmente trasformata in uno stile completamente individuale che è diventato una delle principali fonti delle successive tendenze contemporanee.

Famiglia, prima educazione

Nacque a Baumgarten, un sobborgo viennese, nella famiglia dell'incisore Ernst Klimt. Sua madre, una pianista fallita, diede alla luce sette figli, di cui Gustav era il secondo. Anche i suoi due fratelli minori, Ernst e George, divennero artisti. Una grande famiglia ha sempre avuto bisogno di soldi. E quando, nel 1876, Gustav entrò nella Kunstgewerbeschule, una scuola viennese di arti applicate e mestieri, si presumeva che avrebbe imparato solo la professione di suo padre. Ma il giovane ricevette una borsa di studio, che gli permise di scegliere la specialità "pittura architettonica" e continuare i suoi studi fino al 1883. Suo fratello Ernst entrò nella stessa scuola un anno dopo Gustav, ma studiò solo la specialità dell'incisore.

Klimt ha ricevuto un'educazione conservatrice di qualità e le sue prime opere corrispondono agli ideali accademici. Tra i dipinti del 1879-1880 sono conservati i suoi studi creativi nello stile dello storicismo. In termini di tecnica e motivi grafici, queste opere dimostrano dettagli precisi e somiglianze con il lavoro del suo collega praticante e collega Franz Match.

1880 - 1990, l'inizio dell'attività

Nel 1880, Franz Match, Gustav e suo fratello Ernst registrarono la comunità artistica di Künstler-Compagnie con uno studio di lavoro sulla Josefstedter-Straße a Lehmann. La società ha iniziato a ricevere ordini per la progettazione di edifici pubblici. Tra le altre cose, il gruppo ha progettato tende e pitture a soffitto per i teatri di Reichenberg, Hermesville, Carlsbad e Fiume nel 1885. Nel nuovo edificio del "Burgtheater" di Vienna nel 1886-1888. gli amici hanno creato murales e intercolpetti immagini, mosaico pannelli. Nel 1891 - 1892 furono affrescati gli affreschi del Kunsthistorisches Museum di Vienna, e Castello di Peles in Romania. Dopo che il fratello minore dell'artista George Klimt divenne maggiorenne nel 1888, Gustav intraprese un viaggio creativo a Cracovia, Trieste, Venezia e Monaco per un anno.

Nel 1888, Klimt fu insignito del "Golden Order of Merit" dall'Imperatore d'Austria. Così erano gli affreschi, dipinti dall'artista per il "Burgtheater" di Vienna. Successivamente, Klimt divenne membro onorario dell'Università di Monaco e di Vienna.

Lo stile dell'autore del 1880 - 1990

Le opere monumentali di Klimt del 1886 - 1891 per il "Burgtheater" e il Museo d'arte e storia di Vienna riflettono l'antica direzione e lo stile accademico dell'artista in questa fase. Nelle opere c'è un'analogia con il lavoro dell'artista britannico Lawrence Alma-Tadem. "Allegorie ed emblemi" - una delle serie di affreschi di successo di Gustav Klimt, sviluppata in quel periodo. Tutti i murales, così come i dipinti di quel periodo, sono accuratamente dettagliati e tracciati.

Dai dipinti di Gustav Klimt, la tela ad olio "Sappho" (1888-1890; 39 cm × 31,6 cm) può essere citata come un tipico esempio di trame e tecniche del primo stadio creativo dell'artista. L'immagine dell'antica poetessa greca sullo sfondo della natura e dell'architettura antica riflette l'influenza dei preraffaelliti e del sognante simbolismo letterario di Moreau. Una composizione simile di Klimt, costruita secondo i canoni classico-conservatore, è presente nella sua pittura monumentale per il "Burgtheater".

Opere 1880 - 1990

Durante questo periodo, Klimt era più impegnato nella sua specialità immediata, la pittura architettonica. Tuttavia, se la compagnia Künstler-Compagnie è stata registrata su Josefstadte 8, Klimt nella stessa strada ha preso un padiglione da giardino di fronte al teatro per il suo studio, dove ha scritto molte opere. Tra le opere più famose di questo periodo ci sono:

1. Dipinti a soffitto per l'Università di Vienna.
2. Mosaico Palais Stoclet a Bruxelles.
3. Favola (1883).
4. Idilli (1884).
5. Affreschi nel Burgtheater di Vienna (1886 - 1888).
6. "Allegoria della scultura" (1889).
7. Ritratto di Joseph Pembauer, pianista e insegnante (1890).
8. "Antica Grecia II" ("Ragazza di Tanagry") (1890 - 1891).

1891 - 1900, Secessione di Vienna

Nel 1891, Klimt divenne membro della cooperativa di artisti viennesi alla Künstlerhaus, un edificio espositivo nel centro di Vienna. Nel 1892, suo padre morì a luglio, e mezzo anno dopo, a dicembre, il fratello Ernst morì, dopo di che Gustav prese il controllo della madre e l'assistenza finanziaria alla famiglia di suo fratello.

Il 24 maggio 1897 Klimt si dimise da Künstlerhaus e divenne uno dei fondatori del gruppo Secessione di Vienna, il cui presidente era dal 1897 al 1899. Il gruppo consisteva di giovani viennesi, che rappresentano diverse aree dell'arte. Il sindacato non ha dichiarato il suo manifesto. Il suo obiettivo, in contrasto con il conservatorismo di Künstlerhaus, era quello di creare mostre per giovani artisti progressisti di nuovi stili.

Il governo ha sostenuto gli sforzi del gruppo e affittato su terreni pubblici per la costruzione della sala della Secessione. Nel 1897 - 1898, uno dei membri del gruppo, l'architetto Josef Olbrich, lo costruì. Nel 1898, la Secessione organizzò la sua prima mostra. Klimt progettò le porte in metallo per l'edificio, e per l'edizione periodica del gruppo "Holy Spring" (Ver Sacrum) dal 1898 al 1903 fornì molte illustrazioni e modelli. Il gruppo divenne la base per lo sviluppo dello stile Art Nouveau tedesco, che fu chiamato la Secessione di Vienna in Austria. Il simbolo del gruppo era Atena Pallas, la dea greca della giustizia, della saggezza e dell'arte. Una versione radicale della sua immagine può essere vista nei dipinti di Gustav Klimt, scritto nel 1898. L'artista rimase membro della Secessione fino al 1908.

Creatività 1891 - 1900's

Di questo periodo compare una serie di ritratti femminili: "Giovane donna in poltrona", "Ritratto di donna", "Ragazza accanto al camino", "Ragazza in poltrona", "Ritratto di Sonny Knips" e altri. Alcuni di essi sono disegnati con accuratezza fotografica, altri sono più reminiscenti dello stile impressionista. Allo stesso tempo, l'artista ha sviluppato il suo stile distintivo.

Sfondo oro presente in diversi dipinti dell'artista. Gustav Klimt inizia a usarlo per la prima volta dalla metà degli anni 1890. Il maestro era appassionato di arte visiva giapponese e le sue opere assomigliano all'opera di Ogata Korin, un pittore del 17 ° secolo. Da allora, l'uso di un rivestimento sottile di metallo prezioso è diventato caratteristico delle opere di Klimt, specialmente nel suo "Periodo d'oro".

L'inizio della "Secessione di Vienna" è il momento della modernità ed è probabilmente un punto di svolta nel lavoro di Klimt. Le opere di quegli anni furono chiaramente influenzate da artisti famosi come Franz von Stuck e Jan Torop. Ad esempio, l'immagine nei dipinti di Gustav Klimt di capelli femminili assomiglia al dipinto di Torop. Judith I, scritto da Klimt nel 1901, sembra ispirato al peccato di Franz von Stuck. La posizione dei due corpi nei Serpenti d'acqua di Klimt corrisponde approssimativamente a ciò che Edward Burne-Jones aveva nel 1887 nella foto Profondità del mare.

Alla fine del 19 ° secolo, appare l'immagine di una donna che simboleggia la "verità nuda" (Nuda Veritas), che alla fine divenne caratteristica dell'arte di Klimt. La prima immagine di Nuda Veritas Klimt è stata un'illustrazione del numero di marzo della rivista Ver sacrum. E l'Iside del 1891 dell'artista egiziano Immagini (Zwickelbild Egitto) probabilmente servì da prototipo per esso.

Opere dal 1891 al 1900

Klimt ha sempre lavorato duramente, sparendo costantemente nel laboratorio e il suo lavoro è considerato uno dei più produttivi. Ecco alcuni dei più dipinti famosi Secondo i numeri di Gustav Klimt scritti nel decennio:

1. 1895 - 1896: "Ritratto di donna", "Musica I", "Amore", "Scultura".
2. 1897 - 1898: "Tragedia", "Musica II", "Athena Pallas", "Acqua fluente", "Ritratto di Sonny Knips", "Sangue di pesce".
3. 1899: Schubert al piano; "Dopo la pioggia", "Ninfe. Silver Fish "," Sirene "," Nuda Veritas "," Ritratto di Serena Lederer ".
4. 1899 - 1907: "Filosofia".

Ordine scandaloso del 1990

Nel 1894, il Ministero dell'Istruzione austriaco ordinò a Klimt di realizzare tre tele di grandi dimensioni per decorare il soffitto nella sala del dipartimento di pittura dell'Università di Vienna. Fino al 1990, non tutti i dipinti erano pronti. Il primo lavoro - "Filosofia" - i professori universitari sono stati sottoposti a critiche spietate. Allo stesso tempo, "Philosophy", esibita da Klimt alla mostra di Parigi nel 1990, ha vinto la medaglia d'oro. L'artista dipinge la natura femminile nuda in forma allegorica, ma tutte le sue opere di questo tipo possiedono un incredibile potere di erotismo. Dopo lo scandalo, il pubblico austriaco fu ancora meno preparato per la percezione di compromesso dei dipinti di Gustav Klimt dipinti nel 1991 con i nomi Medicina e Giurisprudenza. Riconosciute come immagini pornografiche, queste opere sono state brutalmente respinte da ambienti universitari, politici, religiosi e culturali.

L'artista ha esposto tutte e tre le tele nella Secessione e Klimt e Franz Match hanno avuto serie differenze riguardo al loro contenuto. La "Teologia" della Partita è stata accettata dal comitato didattico ed è ancora all'Università di Vienna. Il giornalista Karl Kraus nella rivista The Torch, difendendo l'università "Philosophy" di Klimt, ha sdegnosamente notato che Parigi, che importa arte nello stile "goût Juif" (gusto ebraico), avrebbe sicuramente approvato le tele per un tempio della scienza, come un'università. Dopo lo scandalo, Klimt non ha più preso gli ordini del governo, dedicandosi al ritratto e alla pittura di paesaggi.

"Medicina"

L'industriale austriaco August Lederer, un collezionista e filantropo, acquistò tutte le tele per 30.000 corone. Tuttavia, il lavoro fu bruciato nel 1945 durante la ritirata delle truppe tedesche nella Bassa Austria. Dal progetto ci sono diversi schizzi separati e immagini in bianco e nero di scarsa qualità. Foto di Gustav Klimt "Medicina" riflette solo una parte dell'opera monumentale. Raffigura Gigay, che si trovava nella parte centrale inferiore della tela. L'immagine è preservata dal fatto che 300 copie di album d'arte pubblicati nel 1914 sotto il controllo personale di Klimt furono incluse nella collezione di opere. Per la pubblicazione sono state fotografate le migliori opere dell'artista per il periodo 1893-1913. Nelle trenta prime copie delle litografie più importanti uscì a colori. Tra queste immagini è conservato e un frammento di "Medicina", che dà un'idea della luminosità colorata dell'intera opera.

Periodo d'oro

La fase creativa, che portò fama all'artista, ricchezza e il maggior numero di ordini privati, durò fino all'inizio del 1910. Utilizzando la foglia d'oro per lo sfondo dalla metà del 1890, Klimt si interessò alle incredibili possibilità di questo materiale. Nessuna riproduzione dei dipinti di Gustav Klimt trasmetterà il pieno splendore dei capelli dorati dei suoi "Water Snakes", gioielli scintillanti e pieghe trasparenti dei vestiti I e II "Judith", la preziosa pioggia "Danae".

La foglia d'oro più sottile, a differenza di terra, vernice e vernice, è resistente all'abrasione. Tale substrato crea un effetto speciale, che splende attraverso un leggero strato di pittura. Avendo ricoperto lo sfondo dorato con una lacca trasparente o leggermente colorata, è possibile avere l'impressione di trame diverse in vari modi. La vernice applicata su oro può essere graffiata, asciugata, già asciugata o umida, parzialmente rimossa con un solvente, ottenendo così effetti interessanti. Mettendo il metallo prezioso sullo strato di vernice, puoi ottenere risultati visivi completamente diversi. L'artista ha a lungo avuto un grande interesse per le proprietà decorative dell'oro (a volte argento) e ha creato molte opere interessanti. È impossibile elencare tutte le opere create da questo numero create da Gustav Klimt durante questo periodo. Il dipinto "Kiss", "Adel Bloch-Bauer", "Goldfish", entrambe le tele "Judith", "Danae", "Water Snakes" sono considerate le più impressionanti.

"Il bacio"

Questa immagine del 1907-1908 non è solo la più famosa, ma anche significativa per il lavoro di Klimt nella stessa misura della "Gioconda" per da Vinci. L'intera composizione, il colore e la soluzione tecnica creano l'impressione che questa tela sia un'icona dell'amore ardente e tenero.

L'immagine "Kiss" di Gustav Klimt è raffigurata su una tela quadrata ideale di 180 x 180 cm. Intrecciato tra le braccia di un uomo e una donna dipinti sul bordo di una scogliera ricoperta di fiori colorati. I loro corpi sono quasi completamente coperti di vestiti e sono racchiusi in una parvenza di un'aureola dorata, che ricorda ancora di più le icone. Il volto della figura maschile è nascosto, ma c'è la tentazione di vedere "Il bacio" come un'opera autobiografica in cui l'artista si è raffigurato. Allora chi potrebbe essere il prototipo della figura femminile? Gli storici dell'arte hanno risolto questo enigma per molti anni. Lasciando l'understatement e qualche ambiguità nelle personalità dipinte, l'artista aumenta così l'attrattiva dell'opera. Nel film The Kiss, Gustav Klimt incarna non solo un significato soggettivo o situazionale, ma una visione universale e senza tempo dell'amore romantico.

Il lavoro è stato presentato dall'artista alla mostra di Vienna di Kuntschau nel 1908. Fu immediatamente acquisito dal Ministero della Cultura e dell'Istruzione dell'Austria. La tela è conservata nella galleria del Belvedere nella patria dell'artista.

mostre

Il "periodo d'oro" di Klimt è segnato dal maggior numero di mostre dell'artista in tutta Europa, che indica la sua importanza sulla scena artistica di quel tempo.

1. Nel 1905, Klimt espose quindici opere nella Secessione di Berlino inaugurata alla fiera annuale Deutscher Künstlerbund e vinse il premio Villa Romana.
2. Nel 1906, l'artista si recò in Belgio e in Inghilterra e alla fine dell'anno fu nominato membro onorario della Royal Bavarian Academy of Fine Arts di Monaco.
3. Nel 1908 espose a Firenze, poi a Praga e Dresda.
4. Nel 1909 si recò a Monaco, Parigi, Madrid e Toledo.
5. Nel 1910, alla IX Biennale di Venezia, le sue opere furono accettate con entusiasmo senza precedenti.
6. 1911 - mostra a Roma (primo premio per il dipinto "La morte e la vita")
7. 1912 - Dresda di nuovo.
8. 1913 - Budapest, Monaco e Mannheim
9. Nel 1914, Klimt espose con l'Associazione austriaca degli artisti a Roma e visitò Bruxelles.
10. Nel 1916, insieme a Schiele e Kokoschka partecipa all'esposizione federale di Berlino.
11. Nel 1912, Klimt divenne presidente della Federazione degli artisti austriaci.

L'ultimo stadio creativo

Dal 1900 al 1916, Klimt soggiornò principalmente nella villa di una località estiva sul lago Attersee nell'Alta Austria. La maggior parte dei suoi numerosi paesaggi sono scritti qui. Alcuni di loro, per coprire un angolo più ampio, sono stati scritti da una distanza molto lunga. E Klimt in questi casi ha usato il suo telescopio, osservando le sfumature di colore e ombra tra i dettagli selezionati del paesaggio. I suoi paesaggi sono molto voluminosi, creano perfettamente l'impressione dell'ambiente spaziale e dell'aria. All'inizio del 1910, i motivi dorati e ornamentali scomparvero completamente nelle sue opere. Il colore diventa lo strumento principale dell'artista per trasmettere idee e sentimenti.

Immagini oggi

Klimt sempre, in ogni fase creativa, era un artista ricercato e non conosceva mai la mancanza di clienti facoltosi. Molte delle sue opere furono acquistate per i musei, ma la maggior parte fu acquistata per collezioni private.

Nel 2006, cinque dipinti appartenenti agli eredi di Bernhard Altman sono stati esposti a Christie's a New York e venduti a un costo incredibile:

1. Il primo ritratto di Adele Bloch-Bauer, noto come "Golden Adele", o il dipinto "Woman in Gold", di Gustav Klimt è stato dipinto nel 1907. Panno acquistato per $ 135 milioni da Ronald Lauder per la New York New Gallery. A quel tempo era il prezzo più alto per il dipinto, ora il lavoro è sull'ottavo posto nella lista dei dipinti più costosi.
2. Il secondo ritratto di Adele Bloch-Bauer, scritto nel 1912, è stato acquistato da un offerente per 87,936 milioni di dollari. A quel tempo, era il quinto prezzo più grande per un dipinto nel mondo.
3. Bauerngarten (Blumengarten) 1903, è andato all'asta per 33 056 milioni di dollari.
4. Apfelbaum I (1912) ha venduto per $ 40.336 milioni.
5. Il paesaggio "Case in Unterah am Attersee", scritto intorno al 1916, è stato acquistato per 31,376 milioni di dollari.

Klimt è uno degli artisti più importanti del periodo Art Nouveau in Austria e occupa anche una posizione di rilievo su scala internazionale. Tuttavia, le sue opere furono parzialmente ignorate dai critici d'arte di lingua tedesca della prima metà del 20 ° secolo, o accettate come pura pittura decorativa. Solo più tardi il suo simbolismo statico e l'astrazione ornamentale divennero una tendenza di sviluppo riconosciuta. pittura moderna. Inoltre, Klimt ha promosso giovani artisti come Egon Schiele o Oscar Kokoschka, dando così un altro importante contributo al progresso dell'arte moderna.