Dipingere generi. Stili di pittura. esempi

L'arte, in particolare il disegno, accompagna la vita spirituale dell'uomo dal tempo preistorico. I principali generi di pittura sono nati insieme al bisogno delle persone di esprimere i propri sentimenti generati dal mondo che li circonda e condividerli tra loro.

L'essenza dell'arte pittorica

Le più antiche pitture rupestri, secondo gli scienziati, sono state fatte circa 40 mila anni fa. Le gallerie d'arte del tempo preistorico sono caverne con pareti dipinte con l'aiuto di tinte naturali: argilla, carbone, gesso, ecc. Tali "musei" si trovano in Europa, Asia, America, Australia.

Disegni di artisti antichi hanno tutte le caratteristiche di queste opere d'arte. Sentono l'occhio acuto dell'osservatore, la mano dura del disegnatore, l'espressività delle combinazioni di colori. I generi di pittura, creati un numero incredibile di anni fa, saranno rilevanti in tutta la storia umana, sono significativi ora: le immagini di uomini e animali, scene del mondo e della guerra ...

Per molti secoli, l'essenza dell'arte è immutata: la creazione di immagini visive che riflettono l'impressione del creatore del mondo oggettivo e dei fenomeni dell'ordine spirituale, una cronaca artistica di eventi storici di varie dimensioni, un gioco di fantasia e immaginazione basato sul lavoro e sul talento. Gli artisti per risolvere questi problemi svilupparono a lungo vari stili e generi di pittura. Il loro numero è ampio e i segni sono determinati dal lavoro di artisti specifici.

Pittura monumentale e cavalletto

La forza dell'impatto artistico del lavoro pittorico dipende da fattori che molto spesso non sono chiaramente definiti. La dimensione dell'immagine: uno dei criteri più condizionali per valutare la scala dell'opera d'arte. Un acquerello delle dimensioni di una cartolina può dire di più sul mondo di pannelli multimetro con migliaia di personaggi.

La divisione della pittura in monumentale e cavalletto non parla della grandezza dei compiti creativi risolti dall'artista, più determina il modo di esposizione. Gli affreschi sulle pareti di palazzi e cattedrali, la pittura di grandi sale occupano un posto importante nelle opere dei titani del Rinascimento - il soffitto Cappella Sistina, dipinto da Michelangelo, monumentale in tutti i sensi. Ma chi dirà che il ritratto della fiorentina di nome Monna Lisa, scritto su un pannello di pioppo di 70 cm x 53 cm, è meno significativo per l'arte mondiale?

I dipinti creati su singole tele, fogli e tavole con "mobilità" sono comunemente chiamati lavori di pittura a cavalletto. Pittura monumentale Sempre connesso con l'architettura, con l'interior design, quindi, per vedere viva l'Ultima Cena di Leonardo sul muro del refettorio del Monastero di Santa Maria delle Grazie, dovrai andare a Milano.

I principali generi di pittura

Ogni nuova epoca storica dà origine a tipiche immagini visibili, i maestri appaiono con un modo unico di visualizzarli, quindi il numero di "ismi" nella storia dell'arte è enorme.

I generi di pittura sono definiti da un numero leggermente inferiore - la divisione delle opere d'arte a seconda dell'argomento che interessava il pittore. Paesaggio, natura morta, ritratto, soggetto o pittura figurativa, astrazione: queste sono le aree più importanti del genere dell'arte.

Generi di vita

Tutto è in chiara relazione con il periodo storico, e anche i generi - nascono, si mescolano, cambiano o scompaiono. Ad esempio, solo specialisti conoscono tali generi di pittura del XVIII secolo come veduta, Rossica o prima vanitas. In realtà, queste sono solo varietà di paesaggio, ritratto e natura morta.

Veduta (Italiano. Veduta - "view") - una veduta di Venezia di un paesaggio urbano con dettagli dettagliati; il più brillante maestro vedutista - Canaletto (1697-1768). Rossica è chiamata ritratti creati dai pittori dell'Europa occidentale che sono venuti a San Pietroburgo.

Vanitas è una natura morta allegorica (morte naturale francese - "natura morta"), al centro della quale c'è sempre l'immagine di un teschio umano. Questo nome deriva dalla parola latina vanitas, che significa vanità, vanità.

Spesso il soggetto dei dipinti è un personaggio nazionale separato. Ad esempio, hua nyao ("immagini di fiori e uccelli") e le sue direzioni stilistiche: mo-ju ("bambù dipinto con inchiostro") e mo-mei ("prugna fiorita dipinta con inchiostro") sono tutti generi della pittura cinese, avendo valore globale. I loro migliori esempi possono deliziare ogni spettatore con la magistrale accuratezza del disegno e la speciale spiritualità, ma potrebbero nascere solo nell'atmosfera dell'antica cultura del Regno di Mezzo.

paesaggio

Tradotto dal francese, paga un paese, un'area. Da qui il nome di uno dei generi di pittura più popolari: il paesaggio. Sebbene i primi tentativi di trasmettere la natura circostante siano tra i campioni della pittura di roccia, ei maestri del Giappone e della Cina hanno raggiunto altezze inimmaginabili nell'immagine del cielo, dell'acqua, delle piante molto prima della nostra era, il paesaggio classico può essere considerato un genere relativamente giovane.

Ciò è dovuto a sottigliezze tecnologiche. La capacità di andare con un album da disegno e dipingere in tubi all'aria aperta - per scrivere la natura in luce naturale - ha avuto un impatto su tutti i generi di pittura. Esempi di fioritura senza precedenti del paesaggio si possono incontrare quando si studia l'arte degli impressionisti. È una foto dell'alba sul fiume vicino a Le Havre, scritta da Claude Monet (1840-1926), - "Impression" ("Impression") - ha dato il nome alla corrente in pittura, che ha cambiato radicalmente la visione degli obiettivi e dei mezzi d'arte.

Ma la storia successiva conserva i nomi di grandi pittori del paesaggio. Se su icone e dipinti del Medioevo, la natura è uno sfondo abbozzato e piatto per l'immagine principale, quindi, a partire dal primo Rinascimento, il paesaggio è un mezzo attivo per parlare con il pubblico. Giorgione ("The Thunderstorm"), Tiziano ("Fuga in Egitto"), El Greco ("Veduta di Toledo") - nei dipinti di questi maestri, la natura diventa il contenuto principale della tela, e nei paesaggi di Peter Bruegel - la più antica (1525-1569) comprensione del luogo l'uomo nel mondo raggiunge una scala cosmica.

In pittura russa capolavori di maestri del paesaggio sono ben noti. "Morning in a Pine Forest" di I. I. Shishkin, "Over Eternal Peace" di I. I. Levitan, "Moonlight Night on the Dnepr" di A. I. Kuindzhi, "The Rooks Have Arrived" di A. K. Savrasov e molti altri dipinti - non solo belle viste o condizioni meteorologiche diverse. Come la musica, possono indurre lo spettatore ad avere pensieri nuovi, forti emozioni e sentimenti portare ad alte generalizzazioni e verità.

Varietà del paesaggio: urbano, scienze marine

City landscape (veduta, later - industrial) - questi sono generi di pittura con esempi di aderenti attivi sia tra gli artisti che tra i fan di questa tendenza artistica. Come non ammirare la "Veduta della città di Delft" di Jan Vermeer (1632-1675)?!

L'elemento acqua ha sempre affascinato una persona, in particolare un artista. Marina, cioè la varietà di dipinti, dove il tema principale è il mare, cominciò a segregarsi dai soliti paesaggi dell'inizio del XVII secolo in Olanda. All'inizio erano semplicemente "ritratti di navi", ma poi il mare stesso divenne l'oggetto principale, che affascinava sia i realisti sia i romantici. Ha iniziato a completare altri generi di pittura. Esempi dell'uso del tema marittimo possono essere trovati guardando le tele religiose e mitologiche di Rembrandt, il campo di battaglia olandese, Delacroix e gli impressionisti. L'inglese William Turner (1775-1851) fu un grande maestro del pittore marino.

IK Ayvazovsky (1817-1900), che divenne il più grande poeta del mare, non cambiò mai il tema marino. La Nona Onda, il Mar Nero e oltre 6 mila tele sono ancora porti turistici insuperabili.

ritratto

L'immagine dell'aspetto di una persona particolare, esistente o esistente, e attraverso l'apparenza - l'espressione del suo contenuto interno - è così che è possibile definire l'essenza di uno dei più importanti generi pittorici. Questa essenza è rimasta, anche se la moda stava cambiando, i nuovi stili di pittura sono apparsi e quelli obsoleti se ne stavano andando, perché la cosa principale era l'individualità, l'unicità della personalità. Allo stesso tempo, il genere dei ritratti non ha cornici di ferro, può essere un elemento della trama e dei dipinti figurativi e ha molti sottotipi di genere.

Il ritratto di un grande uomo è un genere storico nella pittura. "Com'è?", Chiederà il lettore. L'eroe, che ha una somiglianza interna ed esterna con una persona particolare, è dotato di un ambiente corrispondente al genere "alto". Altre sottospecie della regia sono chiamate costume (mitologico, allegorico), tipico, familiare, ritratto di gruppo.

Uno dei più grandi capolavori che per tre secoli e mezzo non ha rivelato la fine dei suoi misteri, è Rembrandt's Night Watch. Questa immagine è un ritratto di gruppo di un'unità di polizia militare, in cui ogni personaggio ha un nome e un carattere specifici. Entrano in interazione, dando origine a una storia che eccita chiunque inizi a sbirciare nei volti delle persone del diciassettesimo secolo.

Rembrandt Harmens van Rijn (1608-1669) è anche conosciuto come autore di numerosi autoritratti, con cui si può seguire il destino dell'artista, pieno di colpi tragici e brevi periodi felici. In molti di loro è possibile vedere il genere nella pittura, se si attribuisce importanza a un ambiente e abbigliamento volutamente semplici. Ma il genio del maestro riempie di autoritratti lo spazio nel contenuto. Questa varietà di generi è piena di esempi delle migliori abilità e talenti, perché chi conosce la persona più rappresentata in questo caso?

Natura morta

Un altro dei generi più ricercati è l'espressione della comprensione individuale e pubblica del mondo attraverso la rappresentazione del suo contenuto soggetto. Per un vero artista, la selezione delle componenti di una natura morta è importante fin nei minimi dettagli - è qui che inizia una storia affascinante, completata da mezzi puramente artistici: composizione, disegno, colore, ecc. L'originalità stilistica si esprime nel genere still life in modo particolarmente chiaro: si suppone sia un lavoro attentamente pensato su un tipo fisso con l'illuminazione selezionata e così via

All'inizio della sua storia come parte integrante delle composizioni religiose e di genere, la natura morta divenne rapidamente un genere auto-prezioso. I Paesi Bassi still life (steel-life - "quiet life") è una pagina speciale nella storia dell'arte. Lussuose composizioni di fiori e cibo o allegorie ascetiche di natura intellettuale, "fasulle" ... Sì, Olandese natura morta Il XVII secolo è una sottospecie ben consolidata.

Capolavori di questo genere possono essere trovati nelle opere di artisti di tutti gli stili e tendenze significativi. Tra questi ci sono le tele decorative accademiche di I. F. Khrutsky (1810-1885), produzioni profonde e ambigue di Cézanne (1839-1906) e impressionisti, i girasoli di Van Gogh e l'abbondante "spuntino di Mosca" di Ivan Mashkov (1881-1944). ) da "Jack of Diamonds", ricerca figurativa di cubisti e lattine di zuppa in scatola Andy Warhol.

Pittura di parto alta e bassa

Nel periodo del classicismo, la divisione in generi alti e bassi nella pittura fu consolidata dall'Accademia francese di belle arti. Nella gerarchia, che gradualmente ha iniziato ad aderire a tutte le principali accademie d'arte, il principale genere storico - il Grande genere. Ciò includeva non solo immagini di battaglie e altri eventi del passato, ma anche dipinti su trame allegoriche e letterarie, nonché il genere mitologico della pittura. Tali temi sono stati considerati degni di veri maestri di belle arti.

Il genere petit - "basso genere" - era (in ordine decrescente): un ritratto, un genere familiare in pittura, paesaggio, marines, immagini di animali (animali) e nature morte.

Vecchi e nuovi generi

Le tele su un tema storico, principalmente raffiguranti battaglie militari, composizioni a più figure su soggetti religiosi e mitologici furono il risultato della formazione in molte accademie d'arte fino alla fine del XIX secolo. Dipinti come "L'ultimo giorno di Pompei" di K. P. Bryullov (1799-1852) furono un evento globale, furono colpiti dalla portata del piano e dall'abilità dell'incarnazione.

Contro la divisione accademica dei generi c'erano quelli che aprivano nuovi orizzonti: gli impressionisti. Furono loro a creare le tele su cui trame dalla vita ordinaria, scene di lavoro e tempo libero di persone di cittadini e contadini comuni acquisirono il valore di un oggetto di alta arte.

Più tardi apparvero maestri che non avevano bisogno di trame o oggetti del mondo reale per esprimere le loro idee, e dipinti di artisti astratti che non contenevano oggetti materiali o riferimenti a essi possono essere attribuiti a una visione di genere separata.

Stile e diversità di genere

Un vero artista è sempre alla ricerca del suo stile, del suo viso, della sua tavolozza. Spesso, per determinare lo stile della pittura, gli storici dell'arte devono inventare nuovi termini. Ma la corretta applicazione di questi concetti e la corretta classificazione dei generi non può superare la novità e l'originalità del talento artistico, il significato del contributo unico di ogni artista alla cultura mondiale, allo sviluppo della comprensione del mondo con l'aiuto delle immagini visive.