Arte cinetica - che cos'è?

L'arte cinetica è una delle molte tendenze nella creazione artistica moderna. E non solo nell'arte, perché l'essenza di questo tipo di arte è la "rivitalizzazione" di qualcosa (sculture, dipinti o qualsiasi altra composizione). In questo articolo, esamineremo in dettaglio che cos'è l'arte cinetica al momento della sua nascita e nominiamo i rappresentanti più importanti.

termine

Veniva dal greco kinetikos, che significa "messo in moto". In realtà, i compiti che questo tipo di arte si impone è dimostrare che non tutto giace nel piano e rimane immobile, anche se si tratta, ad esempio, di un'immagine del grande pittore. Inoltre, oltre al movimento, viene posta un'altra condizione in questo termine: la tridimensionalità.

Il movimento nell'arte cinetica è solitamente diviso in due tipi: l'ovvio e il movimento. L'ovvio è guidato da meccanismi, dal vento o dagli stessi osservatori. E il virtuale è un "movimento ingannatore", che è creato dalla luce, dall'imposizione di colori, dall'angolo di campo.

generazione

L'arte cinetica, la cui storia risale a poco più di un secolo, non è venuta "dal nulla". Alla fine del diciannovesimo secolo, quando i titani come Claude Monet, Edgar Degas e Edouard Manet stavano già lavorando, i requisiti per l'arte (compreso quello visivo) iniziarono a cambiare: il movimento era necessario, le "statiche" avevano già poco effetto sugli osservatori ordinari. Un buon esempio sono i dipinti di Degas: "The Dancer" e "Portrait of a Racehorse". È visibile in loro: l'artista ha cercato di "sfidare" le tradizioni e introdurre il movimento nelle sue tele.

All'inizio del XX secolo, il segno per lo sviluppo della scultura di arte cinetica - "Kinetic Construction" (o "Onda permanente"), autore di Naum Gabo. Lo stesso Gabo credeva che la sua creazione - la prima del ventesimo secolo, che può essere attribuita a una nuova direzione. In linea di principio, è difficile non essere d'accordo con lui.

Lo sviluppo dell'arte cinetica

Sopra, famosi artisti di arte cinetica come Monet, Degas e Manet sono stati nominati. Anzi, furono i primi a enfatizzare il movimento sulle loro tele. Dagli anni venti, questo tipo di creatività ha trovato sempre più seguaci, e c'erano diverse ragioni per questo: la guerra del passato ha distrutto molte vecchie credenze e principi (inclusa la creatività), era necessario qualcosa di nuovo. Inoltre, una delle ragioni è il progresso tecnico, che nel ventesimo secolo non si è fermato per un minuto.

L'arte cinetica (definita sopra) nel corso del ventesimo secolo, ha combinato cose come il surrealismo e in seguito varie direzioni artistiche. Gli artisti ora avevano pochissima tela e pittura, usavano tutto ciò che si poteva trovare, aumentando non solo un effetto visivo, ma dando alle loro creazioni un ulteriore significato. Di seguito analizziamo le principali figure dell'arte cinetica del ventesimo, e più tardi - il ventunesimo secolo.

Manet, Monet e Degas

Innanzitutto, parliamo di quelli che sono in cima alla lista degli artisti che lavorano in stili e piani completamente nuovi.

Edouard Manet è un uomo che ha sempre scritto all'incrocio di diversi generi e stili. Forse una delle opere che apre davvero la "nuova era dell'arte cinetica" è Le Ballet Espagnol (1862). A questo Foto di Mane Rappresenta il momento, non le azioni statiche - mostra anche la vaghezza, la metà sfocata dei colori e l'ombra, mostrando l'immagine come se fosse "in profondità".

Un'altra opera degna di nota a Manet è Le déjeuner sur l'herbe 1863. Ancora una volta - la luce è sfocata, le ombre del contorno sono mostrate e la figura sullo sfondo è come in movimento.

Il prossimo della lista è Edgar Degas, e come molti credono, è già più radicale nella sua ricerca rispetto a Mans. Mane sta cercando complotti nelle gare, nelle danze, dipingendo tensione e coraggio.

L'Orchestra dell'Opera è una delle opere più potenti dell'artista. Non solo divide la tela in più piani, creando movimenti sullo sfondo e mostrando una composizione quasi completamente statica nella parte anteriore. Un'altra opera degna di nota di Degas chiamata Voiture aux 1872.

Tra l'altro, diverse opere delle partite di polo scritte nel 1884, tra cui spicca Chevaux de Course, hanno impressionato non solo i bohémien creativi di quel periodo e tutti gli amanti della pittura, ma anche Monet, che verrà discusso di seguito.

Degas e Monet, in quanto rappresentanti dell'arte cinetica, erano generalmente molto vicini nello stile e nel modo di scrivere i loro dipinti. Dalla metà degli anni settanta, Monet "brancola" un nuovo stile per se stesso - inizia a creare movimento nei dipinti a scapito di colpi rapidi e, a volte, non molto precisi. Tale modo non solo creava la sensazione di movimento nell'immagine, ma anche, per così dire, una vibrazione. Ad esempio: Le Bateau-Atelier su Seine o Lazare Gare .

Auguste Rodin

Questo artista è rimasto molto colpito dai tre sopra citati e inizialmente ha seguito il loro stile pittorico. Come critico e storico dell'arte, ha pubblicato numerosi articoli in cui ha sostenuto Monet e Degas, teoricamente cercando di giustificare i loro esperimenti. Fu in queste opere teoriche che Rodin scrisse che Monet e Degas creano sulle tele l'illusione della vita reale con tutto il suo movimento.

Negli anni ottanta del XIX secolo, Rodin iniziò a riconsiderare le sue opinioni sulla pittura e giunse alla conclusione che il pubblico non è ancora pronto a percepire il movimento nei dipinti, poiché l'immagine, prima di tutto, è un'immagine statica.

E ancora più tardi, verso la fine del secolo, lo scultore ebbe di nuovo una sopravvalutazione delle sue opinioni, e Roden si precipitò di nuovo ai tentativi di portare il movimento nell'arte. In realtà, per cui hanno iniziato a criticare fortemente lo scultore alla fine della sua vita. Ma questo è esattamente ciò che ha reso Rodin chi lo conosciamo ora - un innovatore e per molti aspetti il ​​fondatore della scultura moderna.

Surrealisti del 20 ° secolo: Glazes, Pollock e Bill

Il nome di Glazes era fondamentale alla fine del diciannovesimo secolo e all'inizio del ventesimo. Le sue opere teoriche sul cubismo, a partire dai decimi, diventano fondamentali per tutti coloro che in un modo o nell'altro hanno a che fare con l'arte moderna.

Glaezes ha sottolineato il ritmo obbligatorio dell'immagine, che avrebbe dovuto essere mostrato a causa della vaghezza delle forme e della vaghezza dei colori. L'enfasi principale di qualsiasi lavoro, come credevano Gleises, deve essere fatta sul movimento, e tutto il resto non è altro che uno sfondo.

Molto interessante per lo stile era Pollock, che era famoso per i suoi metodi di lavoro. Ha spruzzato vernice, a volte già sul lavoro finito, al fine di "informare" il movimento della vernice con le macchie di vernice. Molto spesso ha sperimentato i materiali con cui ha dovuto lavorare. Nel 1947 dipinse il quadro "Cattedrale" con vernice di alluminio, e quindi quasi spruzzò la tela con l'aiuto della spruzzatura. Pollock credeva che così dava libertà all'arte e a tutti i materiali che creano quest'arte. È così che l'artista ha capito la cinematica, cioè il movimento, sulla tela. Pollock ha avuto un impatto significativo sul lavoro della seconda metà del XX secolo.

Il nome successivo è Max Bill, che nel 1930 subì la più forte influenza della nuova arte e non poté lasciarlo fino alla fine della sua vita. Bill si è mostrato non solo come artista, ma anche come scultore, architetto e designer. Tra le sue opere migliori ci sono "Construction with a Suspended Cube", un design chiamato Ulm Front e la Triple Column di Stoccarda.

Sculture mobili, o arte cinetica del XX secolo

Max Bill in molti modi ha posto le basi per un nuovo pensiero del XX secolo. Secondo i ricercatori, è stato lui a dare alla scultura la libertà di movimento in un grande volume. In questa sezione parleremo dei seguaci di Bill: Tatlin, Rodchenko e Kodler.

Vladimir Tatlin - è il creatore della scultura, che diventerà un simbolo e un biglietto da visita di tutto il mondo, costruttivismo e avanguardia. Si tratta, ovviamente, del "Progetto del monumento della terza internazionale".

Alcuni critici d'arte chiamano Tatlin solo la continuazione delle idee di Picasso. Tatlin è anche molto famoso per le sue dispute con Malevich, che ha sempre insistito sul fatto che forma e colore sono alla base della creatività. Tatlin, tuttavia, mantenne la posizione in cui la base di tutto era il tocco.

Alexander Rodchenko in relazione al suo lavoro, ha sviluppato il seguente credo: l'arte è prima di tutto l'invenzione di nuove forme e possibilità. È necessario considerarlo come un grande esperimento, in cui ogni opera è minimale in termini di pittoricità e limitata espressività. Rodchenko era anche conosciuto nella Russia Sovietica come uno dei più grandi fotografi.

Alexander Kodler, prima di tutto, è associato a sculture intricate di fili e sistemi complessi, che sono anche guidati da vari meccanismi o sotto l'influenza del vento (la cosiddetta "mobilitazione Kodler"). Le sue sculture sono ora presenti in molte città europee e americane. Ad esempio: "Man" stabile, che si trova a Montreal.

Movimento virtuale

Dalla metà del XX secolo, la nuova arte ha catturato completamente l'attenzione del pubblico. Forme completamente nuove, idee e lo sviluppo della tecnologia - tutto questo ha permesso agli artisti di non essere timidi nella scelta dei mezzi per trasmettere emozioni e sentimenti.

Dopo Kodler, Tatlin e Rodchenko, Victor Vazareli si dichiarò molto rumorosamente. Per il suo tempo (questa è la metà del ventesimo secolo), Vasarely ha attirato l'attenzione con la virtualità delle sue opere. Non aveva paura di provare a far rivivere il suo lavoro a spese dell'interattivo, usando l'elettricità. Una delle sue opere più famose è Gordes / Cristal.

Il concetto di "movimento ovvio" e op art

Il movimento ovvio è uno dei componenti dell'arte cinetica. La descrizione e l'esecuzione di molte opere legate allo sviluppo della tecnologia, questo tipo di movimento è diventato non solo popolare, ma anche onnipresente. E il termine "op-art" è un concetto aggiornato di "movimento virtuale" o "movimento ottico". Per fare questo, usano non solo vernici e materiali vari, ma anche specchi, labirinti, pendoli e molto altro.

Tra i rappresentanti più importanti che usano e promuovono l'arte op è: Bridget Riley, Jacob Agamom, Jesus Raphael Soto e molti altri.

Arte cinetica moderna

Nel 2013, nel mese di novembre, si è tenuta un'esposizione globale con il titolo "5.000 parti mobili". Vi furono mostrate opere di Arthur Ganson, Ann Lilly, Raphael Lozano-Emmer, John Douglas Powers e molti altri artisti contemporanei. Elementi di computer grafica, labirinti di specchi, luci e spettacoli sonori - ora queste cose possono essere trovate ovunque dove si parla di arte cinetica. La storia è una cosa interessante, e il fatto che un secolo e mezzo fa fosse percepito come qualcosa di frivolo ora è entrato nella nostra vita quotidiana. Dopo tutto, quelli che ora sono chiamati artisti, non solo creano "al richiamo del cuore", ma anche progettano, creano design e design.

conclusione

Il lavoro artistico ora non è più solo pennelli, colori e tele. Queste sono intere composizioni in cui usano elettricità, luce, suono, vari meccanismi. In questo articolo abbiamo smantellato ciò che l'arte cinetica nella pittura è, abbiamo tracciato lo sviluppo di questa direzione dal diciannovesimo secolo ad oggi.